陶瓷描繪的黑白童話：專訪南倫敦瓷藝家 Katharine Morling

出自混濁的泥濘，最終卻出落如純淨白紙。上釉便光滑清透，不上釉則保留潔白啞光的肌理。或清脆如銀鈴，或潤澤如玉石，脆弱與堅韌並存的特性，讓瓷器從中華文化走入西方藝術，從貴族的玩賞器物走入尋常百姓的日常風景。橫跨歷史與地域，現在，不論是家中擺設或博物館收藏，陶瓷儼然成為我們落實藝術與文化於生活的不朽物品。

‘Plenty’, photography/ Stephen Brayne

‘Time’, photography/ Stephen Brayne

‘Undercurrent’, photography/ Stephen Brayne

但對倫敦藝術家 Katharine Morling 來說，陶瓷創作與燒製並不只為了日常使用，而是與自己進行的藝術治療。患有失讀症的她，透過瓷器製作表達對字句與閱讀的恐慌感受。比起如水面般滑順的上釉光澤，她更著迷不上釉的質樸潤澤質地。在乳白色的瓷面上，用黑筆描繪著物品輪廓，粗細不一的筆觸帶著童趣，像是將紙張上的隨手繪畫草稿，轉變為擬真的立體物品。

相機、標本、縫紉機或筆記本，在各式各樣的物品形體裡，Katharine 以自己的使用回憶與對物品的感情為引言，刻意保留歪斜手感與筆觸，讓物品用靜止的姿態訴說各自的故事。只是，如同啞劇般，這是個顏色噤聲徒留黑白的超現實童話，但依然輕易地勾起觀眾對物品與兒時的記憶聯想。

這次我們有機會與 Katharine 做簡單的訪問，一起走進她位在南倫敦的工作室看看吧！

‘Purse of Nails’, photography/ Stephen Brayne

‘Call Out’, photography/ Stephen Brayne

．什麼樣的機緣讓妳走入瓷器藝術創作？

一開始我學的是藝術治療，但總覺得對自己與藝術創作都不夠理解，無法成為真正的藝術治療師，畢竟這個職業必須先發展、延伸自己的創作。因此我便轉向學習瓷器製作。

記得自己第一次製作的瓷器充滿光澤，是裝飾風格濃厚的義大利 majolica 瓷器，非常傳統經典的類型，我其實不是很滿意。就我看來，它們被侷限在陶瓷的製作規則與歷史，而這些我在大學時便已經接觸過。那時期的作品並不真正展現我的個人特質，而大家對它們的評價—有趣、好玩，也與我對自己身為藝術家的期許有所落差。後來我進入倫敦的皇家藝術學院，作品完全延伸出不同的風格，我開始創作一系列以黑白線條為主的作品。現在我對自己的作品有更深的認識：多了一些深沉的元素在裡面，藝術創作的想法與立場也更加清楚，但仍然還有一段長長的路要走。

．對妳來說，陶瓷的迷人之處是什麼？

陶土有種魅力，用它創作時總是伴隨著平靜與和諧的步調，讓你完全地投入，輕易地與你腦中的創意互相碰撞。與我之前嘗試過的金屬或木頭材質相比，陶土是個重複性很高的素材。但也正因如此，在陶土上我更能隨心所欲地實踐腦中的創意。

Photography/ Katharine Morling

．妳的作品與一般所見到的瓷器很不一樣，這創作過程是？

我總是以非常迅速地速寫開始，將腦中的想法畫在紙上。從草稿上選出幾張，然後增加更多細節在描繪的物品。當工作室的牆面上貼滿各式各樣初期概念的手稿，我便結束草稿繪畫的部分。當我看著它們，通常我會特別被其中一張吸引，而這便成為下一個創作主題。接著我會開始研究這個主題物品的具體形狀與細節。假如這是一個大型製作，便必須仔細規劃內部結構或暫時的外部支撐支架。然後正式展開製作流程。

Photography/ Paul Dixon

從新鮮的陶土開始—通常是原瓷（porcelain），一個彈簧銷與其他工具，然後開始塑型。迅速的動作很重要，因為陶土的特性不適合緩慢步調，越少的處理過程陶土會越保持清新。然後讓它慢慢地排出水氣、放乾，接著在攝氏 960 度的高溫下烘烤，畫上黑色線條。假如我滿意這個作品，那便送它回烤窯，以攝氏 1260 度再次燒烤，讓線條定型。

Photography/ Paul Dixon

大型的作品需要高度技巧。記得 2012 年隨倫敦奧運一起舉辦的 Cultural Olympiad 活動，我受邀以英國知名的神秘藏寶庫 Staffordshire Hoard 為題，製作十件雕塑作品。每件作品約 80-120 公分高，也需要設計內部結構作支撐。我喜歡製作大型、或以不同的陶土面拼組起來的作品，因為創作當下我不知道它們會帶我走向哪裡，最後又會如何成形。

Photography/ Paul Dixon

．我們知道妳的作品都有各自的故事。這些故事出自於妳的想像或是生活呢？

像作品 ‘Poison Pen’ 是源自於我個人對失讀症的體認與感悟。只要與閱讀字句有關的事物，常常會讓我些微恐慌—這些詞彙與句法在我眼中到處游移。這件作品充滿挑戰，也是我做過最困難的大型瓷器創作之一。在它內部有些結構，因為隨著高溫烘烤原瓷會變得疲軟。另一個困難之處是要掌握按鍵的動作，創造出讓它們看起來像是隨敲打節奏擺動的錯覺，但又不能讓它們傾倒。

最後按鍵出來的呈現效果讓我很欣喜，烤窯的高溫的確讓按鍵有種移動的節奏感，而這也正是我身為失讀症患者對字句的感覺。對我來說，這件作品歸結了我的感觸，當觀眾欣賞時我也不需特別解釋。而現在這件作品則又延伸出屬於觀眾自己的故事與生命。

‘Poison Pen’, photography/ Stephen Brayne

．在陶瓷上作畫是什麼感覺？

在原瓷上畫畫就像在空氣中畫畫，比畫在紙張上困難許多。但用中式毛筆與筆刷便能帶出筆觸的表情，達到與其他類型的繪畫同樣的效果。

．黑白兩色的線條讓妳的作品有獨特的美感。是否特別喜歡黑白的對比？

黑白對比色調的作品源自於草稿與圖畫的概念。在倫敦皇家藝術學院就讀時，我花很多時間在繪畫上，試著將平面的草稿線條轉換成立體，讓線條融入、圍繞著瓷器。我很喜歡立體的概念，而這些作品橫跨了陶瓷與繪畫兩種不同的創作領域。隨著黑白線條的交錯延伸，形狀便更加清晰，遠比其他任何色彩運用明顯許多。

‘Stack of Butterfly Drawers’, photography/ Katharine Morling

．縫紉機、標本、鑰匙、火柴盒與相機…妳轉換許多日常物品為瓷器作品。這些物品對妳來說是否有特別的意義？

每件作品的主題物品其實都非常個人。舉例來說，‘A Stitch in Time’ 是有關我兒時的記憶。我那時花了幾個小時的想像與製作，將一個竹籃改造成縫紉工具的收納盒。當我在做這件瓷器時，我決定將一隻兔子放進作品裡，就像是替自己的回憶增添一點驚喜與雀躍；但對觀眾來說，這讓他們在觀賞作品時，能與各自小時候的回憶與想像交疊。人們在看到作品後，總是會與我分享他們的童年或心底故事做為對作品的回應。